ochentossos: Self Control – Laura Branigan (1984)

6/9/25

Self Control – Laura Branigan (1984)

Sé que no me equivoco: en la bóveda celeste y musical de los años ochenta, Self Control ocupa un lugar privilegiado, convertido en himno nocturno de una década que exploraba nuevas sonoridades y libertades.

Interpretada por la poderosa voz de Laura Branigan, la canción fue lanzada en 1984, alcanzando un éxito inmediato en Europa y América, y consolidando a la artista estadounidense como una de las voces femeninas más icónicas de la época. Sin embargo, el tema fue originalmente escrito por Raffaele Riefoli (Raf) junto a compositores italianos, pero fue la versión de Branigan —producida por Harold Faltermeyer y Jack White— la que inmortalizó la pieza a nivel internacional. Con un arreglo cargado de sintetizadores, guitarras eléctricas y una cadencia envolvente,

Self Control capturaba la dualidad de la vida urbana: la fascinación por la libertad nocturna y el riesgo latente de perderse en ella. Más allá de su fuerza sonora, el videoclip dirigido por William Friedkin (cineasta de The Exorcist y The French Connection) reforzó la atmósfera misteriosa y sensual del tema, convirtiéndose en uno de los más comentados de la década. La estética oscura, los juegos de luces y sombras y el tono casi cinematográfico hicieron de Self Control una pieza de culto para la naciente era de la MTV.

En las pistas de baile, la canción se transformó en ritual: las luces de neón, el humo artificial y los primeros compacts disc reproducían en Sao-Sao, Samoa, Kouba, Gipsy, Crac, Sense, Edad Media y otros tantos boliches de mi ciudad y vecinas, esos acordes que parecían eternos. Para muchos, era un espejo donde se reflejaba la juventud en su instante más intenso, entre la inocencia y la osadía.

¡Vaya pulso ochentero que nos enseñó esta pieza histórica!, un escape, un abrazo y una advertencia. Laura Branigan, con su voz inconfundible nos regaló un fragmento atemporal, una súplica y una declaración que aún palpita en la memoria colectiva de unos cuantos que nos resistimos a no olvidar el más lindo de nuestros ayeres...

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U2

Hablar de U2 es recorrer una de las trayectorias más sólidas y emblemáticas de la historia del rock. La banda se formó en 1976 en Dublín, Irlanda, cuando cuatro adolescentes —Bono (Paul David Hewson, voz), The Edge (David Howell Evans, guitarra y teclados), Adam Clayton (bajo) y Larry Mullen Jr. (batería)— respondieron a un aviso en un colegio local que buscaba músicos para armar un grupo. Lo que comenzó como un simple pasatiempo de jóvenes soñadores, se transformó con los años en un fenómeno mundial que trascendió generaciones. Su gran salto llegó con el álbum “War” (1983), que contenía himnos como Sunday Bloody Sunday y New Year’s Day, enmarcados en un fuerte compromiso político y social. Sin embargo, fue con “The Joshua Tree” (1987) que alcanzaron la consagración definitiva: un disco cargado de espiritualidad y de paisajes sonoros que contenía clásicos inmortales como With or Without You, Where the Streets Have No Name y I Still Haven’t Found What I’m Looking For. Aquella obra no solo consolidó su prestigio, sino que los elevó a la categoría de leyenda. Con el correr de las décadas, U2 supo reinventarse: del intimismo de “Achtung Baby” (1991) al experimentalismo de “Zooropa” (1993), pasando por el regreso a sus raíces en “All That You Can’t Leave Behind” (2000). Siempre en movimiento, siempre inquietos, nunca conformes con repetirse a sí mismos. Más allá de su música, la banda es reconocida por el activismo de Bono en causas humanitarias, su lucha contra la pobreza y la deuda externa en países en vías de desarrollo, y la defensa de los derechos humanos. Ese costado social fue inseparable de su identidad artística, convirtiendo a U2 en algo más que un simple grupo de rock: una voz que buscó transformar, desde los escenarios, la realidad que nos rodea. Hoy, con más de 170 millones de discos vendidos, incontables premios —incluidos más de 20 Grammy— y giras multitudinarias que marcaron hitos en la historia del espectáculo, U2 sigue siendo sinónimo de grandeza, vigencia y emoción. Su música es puente entre generaciones, entre lo íntimo y lo universal, entre lo efímero y lo eterno.

Madonna

Madonna Louise Veronica Ciccone, nacida en Bay City, Michigan, en 1958, llegó a Nueva York con un puñado de sueños y una determinación férrea que pronto la convertiría en la indiscutida Reina del Pop. Su nombre empezó a brillar en los primeros años de los ochenta, cuando irrumpió con Holiday, Like a Virgin y Material Girl, temas que no solo marcaron los rumbos de la música, sino que redefinieron la cultura juvenil de toda una generación. Los ochenta fueron su territorio conquistado: con su voz provocadora, su estilo transgresor y su capacidad de reinventarse, dominó las listas de éxitos transformándose en un ícono de libertad y rebeldía. Su figura, entre luces de neón y coreografías inolvidables, se volvió el espejo en el que millones de jóvenes buscaban reflejar sus deseos y romper moldes. En esa década, Madonna fue símbolo, tendencia, provocación y refugio. Una mujer que enseñó que la música podía ser irreverencia, pero también emoción pura. Los años ochenta, con su magnetismo irrepetible, llevan grabado su nombre como quien deja una huella luminosa en la memoria del tiempo.

Charly García

Nacido en Buenos Aires en 1951, Charly García es, sin lugar a dudas, una de las figuras más trascendentes e influyentes de la música argentina y latinoamericana. Dueño de un talento precoz —a los 5 años ya tocaba el piano con formación clásica—, muy pronto volcó esa sensibilidad hacia el rock, marcando a generaciones enteras con su genio creativo. Su camino comenzó con Sui Generis, aquel dúo fundado junto a Nito Mestre a inicios de los 70, que dio himnos como Canción para mi muerte o Rasguña las piedras. Tras su disolución, García se reinventó una y otra vez: La Máquina de Hacer Pájaros, Serú Girán —considerada “la banda de sonido de la Argentina de los 80”—, y más tarde su carrera solista, que entregó discos históricos como Piano Bar (1984), Clics modernos (1983) y Parte de la religión (1987). Charly fue siempre más que un músico: un cronista de su tiempo, un espíritu rebelde que, entre melodías sofisticadas y letras cargadas de ironía, ternura o furia, supo reflejar las contradicciones de una sociedad en plena transformación. Su estética transgresora, su figura extravagante y sus frases inmortales lo convirtieron en un mito viviente. Aún con excesos, caídas y resurrecciones, continúa como símbolo de creatividad sin límites, de valentía artística y de pasión por la música. Para quienes crecimos en los ochenta, su obra es parte de nuestras propias memorias, de esa banda sonora íntima que nos acompañó en los momentos clave… y proseguirá acompañándonos.

José Luis Perales

José Luis Perales (nacido en 1945 en Castejón, Cuenca, España) es uno de los cantautores más entrañables y prolíficos de la música en lengua española. Con una voz cálida y cercana, ha sabido convertir lo cotidiano en poesía y lo íntimo en canción. Autor de más de quinientas composiciones, no solo interpretó sus propias obras —como ¿Y cómo es él?, Te quiero, Un velero llamado libertad o Me llamas—, sino que también escribió para artistas de la talla de Isabel Pantoja, Raphael, Rocío Jurado o Paloma San Basilio. Su estilo, sencillo y a la vez profundamente emotivo, lo convirtió en referente de la balada romántica desde los años setenta y ochenta, siendo una figura fundamental en el cancionero popular hispano. En sus letras conviven el amor, la nostalgia, la esperanza y las pequeñas historias de la vida, siempre desde una mirada humana y sensible. Hoy, retirado de los escenarios pero nunca del corazón de su público, permanece como un símbolo de la canción de autor española, un trovador moderno que supo dejar huella con melodías que siguen acompañando generaciones enteras.

Agrupación Toto

Formada en 1977 en Los Ángeles, Estados Unidos, Toto es una de las bandas más emblemáticas del rock y pop de finales del siglo XX. Integrada por músicos de sesión experimentados —como Steve Lukather, David Paich, Jeff Porcaro y Steve Porcaro—, Toto se destacó por su virtuosismo, su mezcla de rock, pop, jazz y funk, y su habilidad para crear melodías memorables. El grupo alcanzó la fama mundial con éxitos como Hold the Line (1978), Rosanna (1982) y Africa (1982), canciones que combinaron complejidad instrumental con accesibilidad pop, convirtiéndose en clásicos atemporales. Su álbum Toto IV (1982) les valió varios Premios Grammy, consolidando su lugar en la historia de la música. A lo largo de décadas, Toto ha sabido reinventarse, mantener la calidad de sus producciones y ganarse un lugar perdurable en los corazones de los fans, convirtiéndose en un referente de excelencia musical y nostalgia ochentera.

Acerca de este blog... y de mí

Me llamo Gerardo Valinotti, y este espacio es, en cierto modo, un viaje hacia aquel tiempo en que la vida tenía el pulso de un vinilo girando sin pausa. En los años ochenta fui barman en las queridas confiterías Samoa y Kouba de mi ciudad, y en Sao-Sao, en Marcos Juárez. Desde detrás de la barra, con las luces bajas y el murmullo de las charlas entrelazándose con los primeros acordes de cada canción, aprendí a escuchar la música no solo con los oídos, sino también con el alma. Cada noche era distinta: copas que tintineaban, amistades que se forjaban al calor de la pista, amores fugaces o eternos, y sobre todo esa catarata de melodías que se colaban en el corazón de mi adolescencia y quedaron allí, indelebles. Hoy, con la nostalgia como aliada, levanto este blog como quien abre un viejo baúl de recuerdos: para revivir, compartir y honrar la música que nos marcó. Porque los ochenta no fueron solo una década, fueron un estado del alma.

6/9/25

Self Control – Laura Branigan (1984)

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